MESA REDONDA EN TORNO A ……..ANNA BOLENA

MESA EN TORNO A ANNA BOLENA

Sala de Prensa del Teatro de la Maestranza, 7 de diciembre, 19h. Lleno absoluto.

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Intervienen: Ramón M. Serrera, Vicepresidente de la Asociación Sevillana de Amigos de la Ópera (ASAO), y Maurizio Benini, Director Musical, que son presentados por Emilio Galán, Presidente de la Asociación.

La Mesa en torno a Anna Bolena, anunciada por el Teatro de la Maestranza y por la ASAO, (y no por la prensa local), celebrada en un día entre festivos, pudo haber sido un fracaso, si además tenemos en cuenta que Anna Bolena no es una ópera de repertorio y que no se ha representado en Sevilla, pero ocurrió todo lo contrario: la Sala de Prensa se llenó completamente. Y además disfrutó, aprendió, y se mantuvo expectante durante más de una hora.

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El Profesor Serrera comenzó hablando de la gran ópera, la primera ópera grande del Maestro de Bérgamo, su primer largo melodrama, de más de tres horas de duración, basado en hechos reales y sustentado por un libreto del genial Felice Romani, que prácticamente en sus versos le daba a Donizetti la inspiración para cómo afrontarlo musicalmente. Hizo entonces un elogio de los mejores libretistas de ópera italiana, resaltando sobre todo a Romani y al más tardío Francesco María Piave, que escribió para Verdi las más famosas óperas del compositor.

Siguió Serrera hablando como historiador del personaje Enrique octavo y sus seis esposas, de las interrelaciones familiares entre ellas, de cómo su primera esposa sobrevivió muchos años aunque encarcelada, porque no se atrevió a matarla al ser tía del gran emperador Carlos V, que dominaba toda la “europa” de su tiempo, de los tres herederos con derecho a trono: María (Catalina de Aragón), Isabel (Ana Bolena), Eduardo (Jane Seymour) y de los múltiples conflictos entre los partidarios de unos y otros.

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La intervención del Maestro se centró en la obra y sus aspectos musicales. La continua sucesión de arias, dúos, tercetos e incluso quintetos, en los que de forma constante intervenía la soprano, haciendo que su papel fuera agotador. Culminando en el tercer acto con un largo aria interminable en el que nunca aparecía la cabaletta final, de más de 20 minuto de duración, que ponían a prueba por sus dificultades a cualquier soprano. Alabó en este momento la interpretación de la joven soprano americana Ángela Meade, a la que nunca había dirigido, y que sería sin duda en los próximos años una de las sopranos de referencia internacional. Citó entonces a los cantantes que estrenaron esta ópera y para los que fueron escrita, según era entonces costumbre, Giuditta Pasta y Giovanni Battista Rubini, ambos de moda en aquella época. Anna Bolena es una ópera bellcantista y para ese papel se necesitan sopranos que dominen la más alta tesitura. Esta ópera no fue apenas representada desde la segunda mitad el Siglo XIX hasta que María Calla la resucitó en 1957 en el Teatro de la Scala junto a la mezzo Giulietta Simionato, con una producción de Luchino Visconti, dirigida por Gianandrea Gavazzeni. Desde entonces las mejores sopranos retomaron este papel de gran envergadura.

Al hilo de esta precisión, Serrera contó como anécdota cuando fue invitado en 1993 al Liceo por Romano Gandolfi para presenciar Anna Bolena, cantada por Edita Gruberova, y la emoción que tuvo cuando al ir a saludarla encontró además en el camerino a la gran Dama de la ópera Joan Sutherland, acompañada por el Directo y marido Richard Bonynge.

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Preguntado el Maestro por Ramón Serrera, por qué el bajo (Enrico), que está cantando más de la mitad de la ópera no tiene un aria propia, como Verdi lo hace con Felipe II en Don Carlo, y en cambio el tenor que tiene un papel bastante menor y secundario (Riccardo), tiene dos arias, la respuesta fue clara, Rubini le exigió a Donizetti un lucimiento personal.

Ante una pregunta del público sobre cómo “ve” la ópera al Rey Enrique VIII, el Maestro dijo que lo presenta como un ser lleno de humanidad, incomprendido, no amado por las mujeres, que solo buscan en él tener poder y ser reinas. A este punto Serrera discrepó porque el Rey Enrique VIII fue un dictador, un rey cruel, déspota y absolutista, en la realidad.

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En resumen, una larga y autorizada Mesa, llena de información, anécdotas e impresiones personales que configuraron una tarde para recordar. ¡Lástima que no todo ese público que llenó la Sala fuera Socio de la ASAO¡

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“EN TORNO A ……TANNHÄUSER”

Teatro de la Maestranza. Sala de Prensa. 27 Octubre 2016. Reseña de Emilio Galán, presidente de la ASAO

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La Mesa estuvo formada por D. Rafael Leña, gran y conocido wagneriano, que representaba a la ASAO, el Director musical, Maestro Pedro Halffter, y el Director de escena, Maestro Achim Thorwald, asistido por Grego Acuña, un intérprete de excepción, que tradujo perfectamente las, a veces complicadas, explicaciones del Maestro.

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Abrió el coloquio Rafael Leña, que hizo un recorrido sobre los distintos “tannhäusers” que hay en este personaje, que va cambiando a lo largo de la obra, pasando sucesivamente desde el “Tannhäuser” apoderado por la sensualidad y erotismo de Venus en el Venusberg, al arrepentido cuando se encuentra con su amada Elisabeth. Pero como hombre débil vuelve a caer en el “pecado” en varias ocasiones, pidiendo después el perdón. Hasta siete (u ocho) personajes diferentes se pueden ver en el protagonista, relató Rafael Leña, según las circunstancias por las que pasa. Al final, cuando vuelve de Roma sin haber conseguido el perdón del Papa y cae de nuevo en manos de Venus, solo parece que la muerte de Elisabeth lo redime, pero esto no queda claro en la obra. Sin embargo para Achim Thorwald, esto ha quedado claro en la puesta en escena que ha preparado, al final aparece el triángulo formado por la Virgen, Venus y Elisabeth, en cuyo centro se mueve Tannhäuser y cae arrepentido ante Elisabeth a pesar de los requerimiento de Venus. Se hace  entonces el milagro y Tannhäuser se salva, floreciendo el báculo del Papa, símbolo del perdón.

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La escenografía es sencilla con todos los personajes siempre en movimiento, dominando el color gris, junto al blanco y negro, excepto para la escena en Venursberg que está dominada por el rojo de la pasión.

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La obra comienza con un primer acto lleno de sensualidad en el que el ballet y la música ocupan el protagonismo. El Maestro Halffter resaltó estos momentos como grandiosos, de una armonía perfecta. Este primer acto, en gran parte escrito para la versión de París, hace que este Tannháuser sea superior a la versión original de Dresden. Comentó varios pasajes de la obra, acompañándolos al piano y habló de los intérpretes, especialmente del tenor Peter Seiffert, quizás el mejor intérprete actual de Tannhäuser, en un difícil papel en el que está siempre cantando en la zona de paso, cuando no en la tesitura más alta de forma constante y continuada.

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El Maestro confesó que él quiso ser director para un día poder dirigir esta ópera y que se sentía totalmente pleno de emoción cuando la dirigía.

La Mesa finalizó con algunas preguntas de los asistentes, que fueron contestadas por los dos Maestros.

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EN TORNO A…….DER KÖNIG KANDAULES

Der König Kandaules

de Alexander Zemlinsky (1871-1942)

Síntesis de la mesa redonda y del estreno del mayor acontecimiento operístico de la Temporada 2015-2016

La mesa redonda «En torno a Der König Kandaules» tuvo lugar a las 7 de la tarde del jueves 16 de junio.

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Moderada por nuestro Presidente, D. Emilio Galán, participaron en ella el maestro Manfred Schweigkofler, Director de escena (italiano de Bolzano, Südtirol/Alto Adigio, donde se habla tanto alemán como italiano, por la antigua pertenencia a Austria de dicha región, hoy de Italia), quien esto firma, y Chantal, la admirable traductora, que domina a la perfección cinco idiomas como mínimo, aparte del castellano (el Director de escena habló en italiano).

El maestro Pedro Halffter no pudo asistir, porque se encontraba dirigiendo en el Teatro Real de Madrid la ópera «Der Kaiser von Atlantis» (compuesta en 1943, pero estrenada en 1975, bastantes años después de la muerte de su autor, Viktor Ullmann, en un campo de concentración nazi).

Con una buena asistencia de atentos aficionados, en gran parte miembros de la ASAO, a esta mesa redonda le faltaron dos cosas: la presencia del Director musical (aunque tanto el signore Schweigkofler como yo conocíamos la música y el libreto ‒yo, por la reiterada escucha de un CD‒ ) y, en mi caso, porque, aunque conocía música y libreto, no había visto la puesta en escena (el ensayo general no fue hasta el día siguiente, viernes 17).

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En primer lugar intervine yo, exponiendo una breve historia del origen del relato en que se inspira «Der König Kandaules»: el primero de los «Nueve Libros de la Historia» de Heródoto de Halicarnaso (484-425 a. C.), padre de la Historiografía; la «República» de Platón y otros muchos autores posteriores, hasta llegar al drama teatral en tres actos del francés, Premio Nobel de Literatura, André Gide (1869-1951), titulado «Le roi Candaule» (1901) que luego fue traducido al alemán por Franz Blei, y sirvió de inspiración para el libreto del propio Alexander Zemlinsky (lo que no tuvo lugar hasta 1935, a instancias de su segunda esposa, Luise Sachsel).

PIERRE Y JOUISE ZEMLINSKY

Emigrados forzosos (por la condición de «medio judío» de Zemlinsky ‒su madre lo era, de origen sefardí‒) a Estados Unidos en 1938, tras la anexión de Austria al III Reich, en aquel país fue imposible de estrenar, ya que el tema y algunas escenas de la ópera no hubieran sido admitidos por la mentalidad conservadora del público norteamericano. Zemlisky murió en 1942, dejando inconclusa la obra (Luise, su mujer, mucho más joven que él, vivió hasta 1990, consagrada a la conclusión de «Der König Kandaules», y consiguió su objetivo.

ANTONY BEAUMONT

Tras la  muerte de Louise, Antony Beaumont,  musicólogo y compositor británico, concluyó la ópera, aprovechando, en un meritorio y fiel trabajo, los 846 compases terminados por el autor, y las numerosas, aunque dispersas, incompletas y desordenadas anotaciones que dejó Zemlinsky. Finalmente, se estrenó en Hamburgo en 1996.

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El maestro Schweigkofler, persona de gran simpatía, entusiasmo y capacidad comunicativa, explicó (con la ayuda de la traducción de Chantal) el sentido de la obra, resaltando su carácter poético, su profundidad psicológica y los problemas para el Director de escena (por ejemplo, cómo hacer «invisibles» a los personajes que, según exige la trama, se convierten en tales para los otros personajes pero no, naturalmente, para los espectadores).

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Resaltó que se trata de una obra que no es solamente un relato histórico, sino un retrato de la condición humana de ayer, de hoy y de siempre, en la que es protagonista la dignidad. En eso coincidimos: en otra intervención, yo insistí en que, durante el período de entreguerras (la Primera y la Segunda mundiales) había existido una intensa creatividad, y que «Kandaules» muestra lo mejor y lo peor del ser humano de cualquier época, lo que convierte a la ópera en una obra de arte universal e intemporal.

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Tras varias preguntas del público asistente, ahí quedó la cosa: con el intenso deseo, manifestado en nombre de todos por nuestro Presidente, que «ver ya» la representación. Fue un acto agradable e interesante, pero incompleto, aunque lleno de la expectativa de conocer la ópera tal cual.

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EN TORNO A …….. EL ELIXIR DE AMOR

Ignacio Trujillo, el Director artístico Victor García Sierra y el Director musical Ives Abel

Con la presencia del Director musical, Yves Abel, el director de escenografía, Victor García Sierra y de nuestro socio, Ignacio Trujillo como moderador, tuvo lugar el pasado jueves 12 de mayo, la Mesa Redonda sobre la opera de Donizetti, El Elixir de Amor, que actualmente se está representando en el Teatro de la Maestranza.
Yves Abel, es un reconocido director de origen canadiense, que fue principal director invitado de la Deutsche Oper Berlin entre 2005 y 2011, y es un habitual de los fosos del Metropolitan, la Scala o el Liceu
Victor Garcia Sierra, además de reputado escenógrafo, es un bajo de renombre. El cantante y escenógrafo, parte de la colección de pinturas y dibujos que el artista colombiano Fernando Botero realizó a partir de su encuentro con un circo popular mejicano
Ambos nos aportaron su singular punto de vista al interpretar esta pieza, alegre, sencilla, pero no exenta de dificultades.

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El Maestro Abel, hizo hincapié en la importancia de la orquesta como un personaje más de la misma, en la complejidad de mantener la partitura instrumental en el segundo plano para el que fue concebida, en la necesidad de moderar los sonidos de los instrumentos actuales, cuyo timbre y sonoridad, es mucho mayor que los instrumentos antiguos para los que fue concebida. Expresó también la riqueza de matices de la partitura y la delicadeza con la que debe asumirse la dirección musical, con un constante contraste entre movimientos lentos y sutiles y trepidantes actuaciones en tono jocoso, con todos los cantantes y el coro en escena.

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Por su parte, Víctor García, expuso como llegó a concebir esta representación desarrollada en el mundo del circo, basado en las pinturas de Botero, el famoso pintor colombiano.
Considera que una escenografía nunca debe alejarse demasiado de la mentalidad del autor original, y que debe respetar su contenido último. Afirmó, que una obra como la presente, alegre, colorista, cómica y feliz, se adapta perfectamente al mundo mágico y brillante del circo y de Botero.

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Explicó las dificultades que tiene la representación con malabaristas y acróbatas, cuyo papel ha de mantener la justa medida para que no perturbe la acción de los intérpretes, y detalló cómo cada personaje en escena, incluso, los miembros del coro, tienen un vestuario distinto y justamente pensado para cada cual, todos copias fieles del imaginario personalísimo del pintor de Medellín.

A continuación se paso al dialogo con el público, siendo muy pertinente la pregunta de un asistente sobre la razón de no interpretarse usualmente un cuarteto compuesto originalmente por el autor. Ambos ponentes estuvieron de acuerdo en que es apenas conocido e inusualmente representado. No obstante, el escenógrafo, afirmó que realmente para próximas representaciones estaba dispuesto a estudiar la posibilidad de incluirlo.

Tras más de una hora de debate, se clausuró la ponencia. Todos los asistentes éramos conscientes haber tenido el privilegio de conocer de primera mano a dos grandes maestros.

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EN TORNO A….. OTELLO

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Sala de Prensa del Teatro de la Maestranza: 30 de Octubre de 2015.

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El comienzo de las actividades de nuestra Asociación “En torno a……..”, no ha podido tener mejor comienzo en la presente temporada 2015-2016, que con Verdi y Otello.

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Ante una gran afluencia de socios y aficionados a la Ópera en general, el profesor Ramón María Serrera y el maestro Pedro Haffter hicieron un amplio recorrido por esta ópera, que ocupa el número 22 entre las 100 más representadas hasta el año 2015.

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EN TORNO A ……EL BARBERO DE SEVILLA

Sala de Prensa del teatro de la Maestranza de Sevilla. 6 de Febrero de 2016

Con la intervención de José Luis Castro y Giuseppe Finzi, con Florentino del Valle Rodríguez (ASAO) como Moderador.

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La habitual mesa redonda “En torno a…..”las óperas que se representan en el Teatro tenía muchos alicientes para que el público asistente disfrutara y así fue.

EL BARBERO DE SEVILLA

La ópera  a comentar  era “El barbero de Sevilla” de Rossini, programada por el Teatro como homenaje a sus doscientos años de vida. Vida repleta de éxitos, aclamada por todos los públicos y representada sin interrupción en los  mejores escenarios del  mundo,  desde la fecha de su estreno en Roma, en el Teatro Argentina, el 20 de Febrero de 2016 hasta hoy.p1090914

A ello se unía que en la mesa intervenían José Luis Castro, muy conocido y admirado en Sevilla, antiguo director del Teatro, Director de Escena  y alma mater de la histórica representación de abril de 1997, cuya reposición íbamos a poder disfrutar  de nuevo. Le acompañaba el maestro Giuseppe  Finzi, Director Musical, joven pero  ya experta batuta en la obra rossiniana.

Las intervenciones de ambos respondiendo a preguntas del moderador, explicaron la visión que en sus respectivos campos, tienen de la ópera.

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José Luis Castro, como Director de Escena, nos ilustró sobre cómo había manejado el movimiento del coro en las diversas escenas  especialmente con el grupo de soldados, cuya actuación en la representación  hay que calificar de sobresaliente, la conversión en estatua de Don Bartolo en la escena final del Acto I, respondiendo a la propia letra del libreto, la disposición de los elementos integrantes del decorado para lograr los ambientes clásicos en las casas sevillanas o el comportamiento exigido a los criados Berta y Ambrogio. En definitiva conocimos como se plantea José Luis una puesta en escena en una obra que conoce perfectamente, en constante colaboración e intercambio de ideas con la dirección musical.

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Giuseppe Fenzi, en un medio español-italiano, aunque siempre con la ayuda de Chantal Daunis,  habló del Mozart italiano, Rossini, de su importante contribución  a la ópera, tanto bufa como seria y  la génesis del Barbero, el escaso tiempo que tuvo para componerla, comentando los problemas que aparecieron por  la falta de músicos, escasez  que se daba por la multiplicidad de representaciones operísticas y como en su investigación sobre la partitura se fijó en la falta de simultaneidad  de dos flautas. La razón era sencilla, no había disponibilidad de dos flautistas que las interpretaran.  También  comentó el predominio de los cantantes en aquella época y expuso que los honorarios de Manuel García, el tenor español que estrena como Almaviva la ópera, cobró el triple que Rossini.

En resumen, una agradable mesa redonda que nos ilustró sobre aspectos poco conocidos de la opera rossiniana.

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Los Diamantes de la Corona

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NOTA DEL DÍA 25 DE NOVIEMBRE DE 2015.

Estimados Socios: el próximo día 30 de Noviembre a las 19h tendrá lugar la Mesa Redonda en torno a Los Diamantes de la Corona, en la Sala de Prensa del Teatro de la Maestranza. Ésta es una de las mas grandes zarzuelas del Siglo XIX, original del Maestro Francisco Asenjo Barbieri, creador de la zarzuela moderna, competidora de la ópera italiana.

En esta ocasión moderaré la Mesa y estaré acompañado por el Director Musical, Maestro Oliver Díaz, que es desde este mes de Noviembre el Director Musical del Teatro de la Zarzuela de Madrid, y por el Maestro  José Carlos Plaza, Director de Escena. Será una ocasión singular para comprender qué significa esta zarzuela en la historia musical española del Siglo XIX, y en particular hablaremos de la puesta en escena y de la calidad musical y de los intérpretes de esta representación, que es una apuesta del Teatro de la Maestranza por la recuperación del mejor teatro lírico auténticamente español.

En el documento adjunto os envío una presentación de la Zarzuela, que formará parte del Programa de mano que les entregará el Teatro a aquellos que tengan la oportunidad de acudir a este estreno. VER DOCUMENTO

Os espero.

Un saludo,

Emilio Galán

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