EN TORNO A…….DER KÖNIG KANDAULES

Der König Kandaules

de Alexander Zemlinsky (1871-1942)

Síntesis de la mesa redonda y del estreno del mayor acontecimiento operístico de la Temporada 2015-2016

La mesa redonda «En torno a Der König Kandaules» tuvo lugar a las 7 de la tarde del jueves 16 de junio.

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Moderada por nuestro Presidente, D. Emilio Galán, participaron en ella el maestro Manfred Schweigkofler, Director de escena (italiano de Bolzano, Südtirol/Alto Adigio, donde se habla tanto alemán como italiano, por la antigua pertenencia a Austria de dicha región, hoy de Italia), quien esto firma, y Chantal, la admirable traductora, que domina a la perfección cinco idiomas como mínimo, aparte del castellano (el Director de escena habló en italiano).

El maestro Pedro Halffter no pudo asistir, porque se encontraba dirigiendo en el Teatro Real de Madrid la ópera «Der Kaiser von Atlantis» (compuesta en 1943, pero estrenada en 1975, bastantes años después de la muerte de su autor, Viktor Ullmann, en un campo de concentración nazi).

Con una buena asistencia de atentos aficionados, en gran parte miembros de la ASAO, a esta mesa redonda le faltaron dos cosas: la presencia del Director musical (aunque tanto el signore Schweigkofler como yo conocíamos la música y el libreto ‒yo, por la reiterada escucha de un CD‒ ) y, en mi caso, porque, aunque conocía música y libreto, no había visto la puesta en escena (el ensayo general no fue hasta el día siguiente, viernes 17).

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En primer lugar intervine yo, exponiendo una breve historia del origen del relato en que se inspira «Der König Kandaules»: el primero de los «Nueve Libros de la Historia» de Heródoto de Halicarnaso (484-425 a. C.), padre de la Historiografía; la «República» de Platón y otros muchos autores posteriores, hasta llegar al drama teatral en tres actos del francés, Premio Nobel de Literatura, André Gide (1869-1951), titulado «Le roi Candaule» (1901) que luego fue traducido al alemán por Franz Blei, y sirvió de inspiración para el libreto del propio Alexander Zemlinsky (lo que no tuvo lugar hasta 1935, a instancias de su segunda esposa, Luise Sachsel).

PIERRE Y JOUISE ZEMLINSKY

Emigrados forzosos (por la condición de «medio judío» de Zemlinsky ‒su madre lo era, de origen sefardí‒) a Estados Unidos en 1938, tras la anexión de Austria al III Reich, en aquel país fue imposible de estrenar, ya que el tema y algunas escenas de la ópera no hubieran sido admitidos por la mentalidad conservadora del público norteamericano. Zemlisky murió en 1942, dejando inconclusa la obra (Luise, su mujer, mucho más joven que él, vivió hasta 1990, consagrada a la conclusión de «Der König Kandaules», y consiguió su objetivo.

ANTONY BEAUMONT

Tras la  muerte de Louise, Antony Beaumont,  musicólogo y compositor británico, concluyó la ópera, aprovechando, en un meritorio y fiel trabajo, los 846 compases terminados por el autor, y las numerosas, aunque dispersas, incompletas y desordenadas anotaciones que dejó Zemlinsky. Finalmente, se estrenó en Hamburgo en 1996.

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El maestro Schweigkofler, persona de gran simpatía, entusiasmo y capacidad comunicativa, explicó (con la ayuda de la traducción de Chantal) el sentido de la obra, resaltando su carácter poético, su profundidad psicológica y los problemas para el Director de escena (por ejemplo, cómo hacer «invisibles» a los personajes que, según exige la trama, se convierten en tales para los otros personajes pero no, naturalmente, para los espectadores).

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Resaltó que se trata de una obra que no es solamente un relato histórico, sino un retrato de la condición humana de ayer, de hoy y de siempre, en la que es protagonista la dignidad. En eso coincidimos: en otra intervención, yo insistí en que, durante el período de entreguerras (la Primera y la Segunda mundiales) había existido una intensa creatividad, y que «Kandaules» muestra lo mejor y lo peor del ser humano de cualquier época, lo que convierte a la ópera en una obra de arte universal e intemporal.

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Tras varias preguntas del público asistente, ahí quedó la cosa: con el intenso deseo, manifestado en nombre de todos por nuestro Presidente, que «ver ya» la representación. Fue un acto agradable e interesante, pero incompleto, aunque lleno de la expectativa de conocer la ópera tal cual.

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EN TORNO A …….. EL ELIXIR DE AMOR

Ignacio Trujillo, el Director artístico Victor García Sierra y el Director musical Ives Abel

Con la presencia del Director musical, Yves Abel, el director de escenografía, Victor García Sierra y de nuestro socio, Ignacio Trujillo como moderador, tuvo lugar el pasado jueves 12 de mayo, la Mesa Redonda sobre la opera de Donizetti, El Elixir de Amor, que actualmente se está representando en el Teatro de la Maestranza.
Yves Abel, es un reconocido director de origen canadiense, que fue principal director invitado de la Deutsche Oper Berlin entre 2005 y 2011, y es un habitual de los fosos del Metropolitan, la Scala o el Liceu
Victor Garcia Sierra, además de reputado escenógrafo, es un bajo de renombre. El cantante y escenógrafo, parte de la colección de pinturas y dibujos que el artista colombiano Fernando Botero realizó a partir de su encuentro con un circo popular mejicano
Ambos nos aportaron su singular punto de vista al interpretar esta pieza, alegre, sencilla, pero no exenta de dificultades.

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El Maestro Abel, hizo hincapié en la importancia de la orquesta como un personaje más de la misma, en la complejidad de mantener la partitura instrumental en el segundo plano para el que fue concebida, en la necesidad de moderar los sonidos de los instrumentos actuales, cuyo timbre y sonoridad, es mucho mayor que los instrumentos antiguos para los que fue concebida. Expresó también la riqueza de matices de la partitura y la delicadeza con la que debe asumirse la dirección musical, con un constante contraste entre movimientos lentos y sutiles y trepidantes actuaciones en tono jocoso, con todos los cantantes y el coro en escena.

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Por su parte, Víctor García, expuso como llegó a concebir esta representación desarrollada en el mundo del circo, basado en las pinturas de Botero, el famoso pintor colombiano.
Considera que una escenografía nunca debe alejarse demasiado de la mentalidad del autor original, y que debe respetar su contenido último. Afirmó, que una obra como la presente, alegre, colorista, cómica y feliz, se adapta perfectamente al mundo mágico y brillante del circo y de Botero.

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Explicó las dificultades que tiene la representación con malabaristas y acróbatas, cuyo papel ha de mantener la justa medida para que no perturbe la acción de los intérpretes, y detalló cómo cada personaje en escena, incluso, los miembros del coro, tienen un vestuario distinto y justamente pensado para cada cual, todos copias fieles del imaginario personalísimo del pintor de Medellín.

A continuación se paso al dialogo con el público, siendo muy pertinente la pregunta de un asistente sobre la razón de no interpretarse usualmente un cuarteto compuesto originalmente por el autor. Ambos ponentes estuvieron de acuerdo en que es apenas conocido e inusualmente representado. No obstante, el escenógrafo, afirmó que realmente para próximas representaciones estaba dispuesto a estudiar la posibilidad de incluirlo.

Tras más de una hora de debate, se clausuró la ponencia. Todos los asistentes éramos conscientes haber tenido el privilegio de conocer de primera mano a dos grandes maestros.

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EN TORNO A….. OTELLO

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Sala de Prensa del Teatro de la Maestranza: 30 de Octubre de 2015.

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El comienzo de las actividades de nuestra Asociación “En torno a……..”, no ha podido tener mejor comienzo en la presente temporada 2015-2016, que con Verdi y Otello.

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Ante una gran afluencia de socios y aficionados a la Ópera en general, el profesor Ramón María Serrera y el maestro Pedro Haffter hicieron un amplio recorrido por esta ópera, que ocupa el número 22 entre las 100 más representadas hasta el año 2015.

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EN TORNO A ……EL BARBERO DE SEVILLA

Sala de Prensa del teatro de la Maestranza de Sevilla. 6 de Febrero de 2016

Con la intervención de José Luis Castro y Giuseppe Finzi, con Florentino del Valle Rodríguez (ASAO) como Moderador.

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La habitual mesa redonda “En torno a…..”las óperas que se representan en el Teatro tenía muchos alicientes para que el público asistente disfrutara y así fue.

EL BARBERO DE SEVILLA

La ópera  a comentar  era “El barbero de Sevilla” de Rossini, programada por el Teatro como homenaje a sus doscientos años de vida. Vida repleta de éxitos, aclamada por todos los públicos y representada sin interrupción en los  mejores escenarios del  mundo,  desde la fecha de su estreno en Roma, en el Teatro Argentina, el 20 de Febrero de 2016 hasta hoy.p1090914

A ello se unía que en la mesa intervenían José Luis Castro, muy conocido y admirado en Sevilla, antiguo director del Teatro, Director de Escena  y alma mater de la histórica representación de abril de 1997, cuya reposición íbamos a poder disfrutar  de nuevo. Le acompañaba el maestro Giuseppe  Finzi, Director Musical, joven pero  ya experta batuta en la obra rossiniana.

Las intervenciones de ambos respondiendo a preguntas del moderador, explicaron la visión que en sus respectivos campos, tienen de la ópera.

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José Luis Castro, como Director de Escena, nos ilustró sobre cómo había manejado el movimiento del coro en las diversas escenas  especialmente con el grupo de soldados, cuya actuación en la representación  hay que calificar de sobresaliente, la conversión en estatua de Don Bartolo en la escena final del Acto I, respondiendo a la propia letra del libreto, la disposición de los elementos integrantes del decorado para lograr los ambientes clásicos en las casas sevillanas o el comportamiento exigido a los criados Berta y Ambrogio. En definitiva conocimos como se plantea José Luis una puesta en escena en una obra que conoce perfectamente, en constante colaboración e intercambio de ideas con la dirección musical.

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Giuseppe Fenzi, en un medio español-italiano, aunque siempre con la ayuda de Chantal Daunis,  habló del Mozart italiano, Rossini, de su importante contribución  a la ópera, tanto bufa como seria y  la génesis del Barbero, el escaso tiempo que tuvo para componerla, comentando los problemas que aparecieron por  la falta de músicos, escasez  que se daba por la multiplicidad de representaciones operísticas y como en su investigación sobre la partitura se fijó en la falta de simultaneidad  de dos flautas. La razón era sencilla, no había disponibilidad de dos flautistas que las interpretaran.  También  comentó el predominio de los cantantes en aquella época y expuso que los honorarios de Manuel García, el tenor español que estrena como Almaviva la ópera, cobró el triple que Rossini.

En resumen, una agradable mesa redonda que nos ilustró sobre aspectos poco conocidos de la opera rossiniana.

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Los Diamantes de la Corona

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NOTA DEL DÍA 25 DE NOVIEMBRE DE 2015.

Estimados Socios: el próximo día 30 de Noviembre a las 19h tendrá lugar la Mesa Redonda en torno a Los Diamantes de la Corona, en la Sala de Prensa del Teatro de la Maestranza. Ésta es una de las mas grandes zarzuelas del Siglo XIX, original del Maestro Francisco Asenjo Barbieri, creador de la zarzuela moderna, competidora de la ópera italiana.

En esta ocasión moderaré la Mesa y estaré acompañado por el Director Musical, Maestro Oliver Díaz, que es desde este mes de Noviembre el Director Musical del Teatro de la Zarzuela de Madrid, y por el Maestro  José Carlos Plaza, Director de Escena. Será una ocasión singular para comprender qué significa esta zarzuela en la historia musical española del Siglo XIX, y en particular hablaremos de la puesta en escena y de la calidad musical y de los intérpretes de esta representación, que es una apuesta del Teatro de la Maestranza por la recuperación del mejor teatro lírico auténticamente español.

En el documento adjunto os envío una presentación de la Zarzuela, que formará parte del Programa de mano que les entregará el Teatro a aquellos que tengan la oportunidad de acudir a este estreno. VER DOCUMENTO

Os espero.

Un saludo,

Emilio Galán

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